Algunas veces lo que pareciera ser un muro es en realidad una entrada. Cuando las dificultades de la edad y la enfermedad dejaron a Matisse imposibilitado para trabajar con pintura y lienzos, él cambió a las tijeras y al papel, creando algunos de sus trabajos más reconocidos, en la última década de su vida. Cuando Frida Kahlo quedó confinada a estar en su cama por meses en adelante, ella pidió a sus padres que montaran un espejo en el dosel arriba de ella, así pintó una serie de auto-retratos que la definirían como artista. Y cuando Renato Chacón perdió temporalmente el uso de su mano útil, el descubrió que su voluntad para pintar trascendía el dolor, y de igual manera encontró una entrada.”
Flamboyan ©Renato Chacón
Renato Chacón se muestra como alguien que ha estado en la montaña, y a diferencia de la canción de U2, encontró lo que había estado buscando. Alto y delgado, aparentando menor edad que sus 51 años, su auto-profesada búsqueda de una vida en paz, parece haber rendido frutos. Su taller y su casa son un estudio en serenidad, fluyendo juntos como su pasión por la arquitectura y la pintura. Renato ha dibujado y pintado desde que era un niño e incluso aunque trabaja como arquitecto, la pintura se ha convertido en su vida. Al tiempo que él me lleva por su casa y jardín en el Centro Histórico de Mérida, me platica acerca de su vida, y su volver a dedicarse a la pintura.
¿De dónde eres y cómo fue que decidiste venir a Mérida?
Yo vengo de la Ciudad de México, viví ahí la mayor parte de mi vida. Fue donde estudié Arquitectura, me enamoré, me casé, y construí mi carrera como arquitecto. Cuando mi matrimonió terminó, pasé mucho tiempo reflexionando sobre qué era lo próximo que haría y comencé a recordar lo sueños que tenía cuando era joven. Vivir en Mérida era uno de esos sueños- vine aquí de paseo justo después de que me gradué como arquitecto y me gustó mucho la ciudad. El cambio es siempre un catalizador para más cambios, así que me mudé a Mérida, compré esta casa y comencé a hacerla un refugio propio. Fue aquí donde comencé a pintar seriamente de nuevo. Me enamoré una vez más, pero esta vez de la pintura, del color, con cómo el color me hace sentir.
“El color no nos fue dado para que imitáramos a la naturaleza. Se nos dio para que podamos expresar nuestras emociones”- Henri Matisse
¿Entonces dejaste de pintar por un tiempo?
Danza ©Renato Chacón
Antes de que me volviera arquitecto viví durante un tiempo en Nueva York y en una galería de Washington vendieron todas mis pinturas. Desafortunadamente, olvidaron pagarme por ellas así que me desilusioné un poco con la idea de ser un artista. Regresé a la Ciudad de México y dejé de pintar durante 15 años casi por completo… estuve enfocado en otras cosas. Mudarme a Mérida me permitió simplificar mi vida y encontrar mi voz de nuevo como un pintor.
¿Crees que muchos arquitectos se vuelven artistas?
Playa ©Renato Chacón
No estoy seguro, pero eso parece suceder en nuestra familia. Mi abuelo fue ambos, arquitecto y pintor; él amaba las acuarelas y se lo tomó muy en serio que incluso descuidó a su familia. Mi padre también es arquitecto y pintor pero quizá debido a su educación él decidió centrarse en lo primero. Yo estoy tratando de vivir una vida más balanceada- a pesar de que amo la disciplina de la Arquitectura, necesito la libertad que la pintura me da. La Arquitectura es una forma muy rígida de ver el mundo, con muchos parámetros, y mi pintura es la antítesis de eso.
“No estoy enferma. Estoy rota. Pero estoy feliz de estar viva mientras pueda pintar.” – Frida Kahlo
Y entonces… nosotros llegamos a la montaña. Tú tuviste un accidente que te dejó imposibilitado para pintar durante un tiempo ¿cómo has encontrado tu manera de recuperarte?
Por supuesto que me sentí mal al inicio, pero luego me sentí agradecido de haber tenido otra oportunidad en esto que llamamos vida. Pintar viene tanto del corazón como de la mano, y mi corazón es fuerte. Yo creo que de alguna manera es como un nuevo comienzo pero pienso que me estoy volviendo bueno en eso.
Una vez más, la Merida English Library será anfitriona de un tour por alrededor de 25 estudios de artistas nacionales e internacionales en Mérida. Este tour en el que tú eres tu propio guía, el Tour de Estudios de Arte, es una oportunidad única para conocer y platicar con artistas como Renato. Este evento se llevará a cabo el sábado 18 de febrero del 2017. Visita la Merida English Library para más información sobre los artistas y detalles del tour.
Esta es la primera vez que Irvim y Pliego estarán participando en el Tour de Estudios de Arte aquí en Mérida, y como estarán colaborando, yo les pregunto si considerarían pintar “en vivo” ese día. “Absolutamente,” Pliego sonríe, “¡pintar es una fiesta!”
Su estudio está lleno de bloques de cera encáustica y pilas de pasteles al óleo, en colores que lucen tan bien como para comerlos. Repisas con objetos encontrados comparten espacio con esculturas caprichosas hechas de materiales inesperados. Por aquí, dos esculturas “Calderescas” de muy delgadas clavijas esperan su próxima interacción. Por ahí, filas de cajas de té llenas de envolturas vacías cuentan su propia historia. “Soy una coleccionista de cosas,” admite Eck al notarme viendo las cajas con las envolturas descartadas. “Las he coleccionado por años- mi vida en té,” ella se ríe.
Yo diría que sí. Tengo una fascinación por la línea, con la idea de que un cambio en la perspectiva puede alterar lo que un objeto es, y por lo tanto uso la línea y figuras lineales para llegar ahí. Una ciudad tridimensional en el suelo se convierte en una fantástica composición lineal desde el aire. Una cubeta de metal aplanada, una vez más se puede convertir en un objeto dimensional en otro medio, todo a través de mi interpretación de la línea.
Marcela Díaz se convirtió en un artista cuando ya era una mujer madura – tenía 43 años cuando tuvo su primera exhibición. Tuve curiosidad sobre cuál fue el catalizador de su dramática transición de esposa y madre a una artista obsesionada, y le pregunté como sucedió esto. “Cuando llevé a mi hijo mayor a la universidad en los Estados Unidos, me la pasé llorando en el avión todo el camino volviendo a casa”, Marcela compartió. Se puso silenciosa mientras vivía nuevamente este momento en su mente, todavía muy vivo aunque ya ha pasado una década desde eso.” Era como si pudiera ver mi vida enfrente de mí – una vida llena de perdida. Pude ver que iba a perder a mis próximos tres hijos al mundo, justo como me paso con el primogénito, pero aun más importante, pude ver que también yo iba a perderme a mí misma.
¿Y los vestidos? “los vestidos son bellos”, ella afirmo, “pero son mucho más que eso. Los vestidos son como ‘artificios’, máscaras que usamos como mujeres, con los papeles que desempeñamos o somos forzadas a realizar. Estas representan los confines de una sociedad preocupada por la percepción y lo apropiado. Representan la fuerza y la individualidad inherente 
Se tomaron alrededor de cinco meses y el trabajo de cinco personas para construir el muro de piedra labrado a mano. Ata me contaba esto mientras supervisábamos la estructura de 3.5 metros de alto. El muro se extiende alrededor de 10 metros a través de un espacio arbolado, y es lo suficientemente ancho como para que se pueda bailar entre esta estructura, realmente quería hacerlo, es un espacio muy hermoso. “tres hombres construyeron uno en tres días”, menciono él, apuntando a un muro aún más grande y alto hecho de blocks de concreto recubierto de color turquesa. “ambos están hechos a mano, pero solo en el de piedra se puede observar lo que es una verdadera obra de arte.” Desde donde yo los observaba, ambos lucían muy artísticos.
Atahualpa Hernández Salazar me dijo “el estado de Yucatán es una roca gigantesca.” El y Víctor Cruz son socios en Taller Estilo Arquitectura, se especializan en diseñar a detalle los hogares contemporáneos, usan materiales de Yucatán. “nos gusta usar cada piedra que descubrimos a nuestro paso”, el continua diciendo. “cuando excavamos para hacer una piscina, usamos la roca extraída para construir los muros interiores, las piedras más bonitas que hayamos las reservamos para decorar los jardines y los ornamentos de los muros, y tratamos de usar casi todo. Ser “verdes” para nosotros significa usar recursos que están fácilmente disponibles. Es decir, orientar las estructuras de forma que maximicen el flujo de aire natural y minimicen la necesidad del uso del aire acondicionado, además preferimos usar construcción hecha a mano que la construcción hecha por maquinaria, por lo tanto se reduce las emisiones y el diseño permite a la flora existente permanecer en su lugar.” Luego mire hacia arriba para poder ver un árbol muy alto cascabeleando a través de un agujero en el techo. “cuando iniciamos el proyecto”, Ata afirma, “habían 72 árboles, hoy todavía nos quedan 65.”
El trabajo de los albañiles Yucatecos es legendaria, y los reyes de las piedras no son la excepción. Ellos se balancean y saltan por andamios muy por encima del suelo, sin descanso elevan cargas de roca y cemento equivalentes a su propio peso, todo esto lo realizan mientras tallan la piedra en un calor que ni un texano soportaría. Ata y yo, recientemente visitamos a sus albañiles en la casa 72, en la cual se encuentra un brillante proyecto estilístico con trabajo en piedra. “¡hola Travesti!, Ata le grito a su principal trabajador que estaba parado sobre los andamios- el resto de los trabajadores empezaron a reír. ¿Qué le dijiste?, le pregunte. “es su apodo, le decimos el Travesti.” Le pregunte porque le llaman así y Ata me dijo “creo que solo para bromear con el.” Juzgando la sonrisa que le produjo la broma a José, parece no molestarle en lo absoluto. José está trabajando en un inmenso muro cubierto con círculos de piedra de diversos tamaños. El con mucho cuidado marca los círculos con una sección de poliducto eléctrico, con su habilidad crea patrones dentro y fuera de los círculos. El ha estado trabajado en esto durante todo un mes y está claramente satisfecho con sus resultados. En la parte trasera de la propiedad, otro albañil dibuja gigantescos círculos con un clavo y una cuerda a forma de compas geométrico que son después delineadas con una delicada circunferencia de piedra. Me cuestiono si esta es la versión maya de la cubierta de un muro, después se vinieron a mi mente ideas para planear mi próxima casa. 
La crudeza de su voz coincide con las pinturas del estudio de Juan Pablo. “lo siento, fue una noche larga”, dice Juan, afinando la voz de su garganta y ofreciéndome una silla. Un cenicero de cristal repleto de colillas de cigarros estaba puesto en una mesita de madera como si fuera un pisapapeles, colocado sobre un montón de bocetos y dibujos que sostenían los esbozos contra la fuerza del movimiento de un abanico de techo. Yuxtapuesto entre una botella de tequila medio vacía y una cucaracha boca arriba, se encontraba un arrugado paquete de Delicados. Me tomo unos cuantos segundos para darme cuenta que el caos que esta sobre la mesa es un tanto perfecto, yo estaba ahí observando como un bodegón esperaba convertirse en una de las próximas pinturas de Juan Pablo Quintal García.”
Hay algo en el estilo de Juan Pablo que me recuerda a un artista marginal, en cuanto a su desenfrenada creatividad se refiere. Cuando le pregunte sobre esto, las barreras de lenguaje salieron a flote. “arte marginal es un término que fue acuñado a principio de los años setentas como un sinónimo de “arte bruto”, o arte rudo, le explicaba a Juan, “yo le describí a artistas que estaban fuera de la corriente principal, ellos aprendieron por sí mismos, algunas veces estos eran marginalizados, pero a menudo fueron reconocidos por su innato talento bruto. En algunas ocasiones estos artistas no fueron descubiertos sino hasta después de sus muertes. En sí mismo el arte marginal se logro transformar en un gran movimiento, con prominentes espectáculos de arte dedicados exclusivamente a los artistas independientes de esta corriente. Cuando observe su obra y el hablo sobre que no había tenido un entrenamiento formal como pintor, enseguida pensé en relacionar a Juan en estos términos.
Le pregunte a Juan Pablo como se convirtió en pintor. Me dijo, “cuando tenía 16, me fui Denver Colorado como estudiante de intercambio y luego tuve un trabajo en el Disneyland de Orlando. Fue ahí donde conocí a una mujer noruega, nos casamos y mudamos a su país. Para ese entonces ya había incursionado en la pintura pero fue en Noruega donde realmente comencé a pintar de manera formal.
“¿Cuáles son los pros y contras que consideras de tener un entrenamiento formal comparado con la manera en la que tú te convertiste en artista?, le pregunte. “Bien, es una muy buena pregunta” Juan Pablo consideró. “yo creo que la técnica aprendida en un ambiente formal te brinda una gran ventaja, porque todo lo que aprendí fue a través de prueba y error. Pero también existe cierta libertad en la fuerza pura de “la obra”, que algunas veces me pregunto si me podría perder entre tanta estructura.” El ríe de nuevo. “pero algunas veces no sé cómo hacer ciertas cosas, y me hace pensar que necesito un mecanismo de critica formal, o mínimo un mentor iría muy bien a mi obra.